10 documentales sobre fotógrafos que hay que ver
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Ivan Sánchez
Un monográfico dedicado a Henri Cartier-Bresson, un prolijo estudio sobre “The Americans”, temáticas como la fotografía de guerra, una exhaustiva investigación sobre la famosa foto del miliciano caído en el frente de la Guerra Civil española... Documentales dedicados a la fotografía hay tantos que resulta casi imposible elegir. Aun así, en Quesabesde hemos tomado partido por una decena de ellos. Testimonios del peso de John Szarkowski, Elliott Erwitt, Joel Meyerowitz, James Nachtwey o Josef Koudelka en más de siete horas de metraje de las que aprender y disfrutar.
Ivan Sánchez
Un monográfico dedicado a Henri Cartier-Bresson, un prolijo estudio sobre “The Americans”, temáticas como la fotografía de guerra, una exhaustiva investigación sobre la famosa foto del miliciano caído en el frente de la Guerra Civil española... Documentales dedicados a la fotografía hay tantos que resulta casi imposible elegir. Aun así, en Quesabesde hemos tomado partido por una decena de ellos. Testimonios del peso de John Szarkowski, Elliott Erwitt, Joel Meyerowitz, James Nachtwey o Josef Koudelka en más de siete horas de metraje de las que aprender y disfrutar.
1 - “War Photographer”
Realizado por Christian Frei (2001, 96 minutos) | Documental completo | Página oficial
Con James Nachtwey como protagonista de excepción y una perspectiva amplia (desde la toma de la foto hasta su exhibición en una galería), esta pieza narra en primera persona el arduo trabajo del fotógrafo de guerra. Sorprenden las escenas iniciales (una casa quemada durante el conflicto de los Balcanes), con una cámara subjetiva que Nachtwey lleva incorporada junto al visor de su propia máquina fotográfica.
El documental sigue también el trabajo del conocido fotoperiodista estadounidense para denunciar la extrema pobreza en Indonesia de familias enteras que viven entre las vías del tren en Yakarta, los enfrentamientos en Ramala o las personas que –de vuelta a Indonesia- trabajan en pésimas condiciones de salud en las minas de azufre. Explora también parte del proceso de edición y copia de algunas de sus imágenes más conocidas, con entrevistas a diferentes editores.
Cómo no, en “War Photographer” hay espacio para la reflexión personal –con conclusiones aterradoras y alentadoras- del cofundador de VII Photo. “Creo que la gente quiere saber si hay tragedias graves o situaciones inaceptables y hacer algo si es posible. Tenemos que afrontarlo, es nuestra obligación hacer lo que podamos. Si no, ¿quién lo hará?”, se pregunta Nachtwey.
El documental sigue también el trabajo del conocido fotoperiodista estadounidense para denunciar la extrema pobreza en Indonesia de familias enteras que viven entre las vías del tren en Yakarta, los enfrentamientos en Ramala o las personas que –de vuelta a Indonesia- trabajan en pésimas condiciones de salud en las minas de azufre. Explora también parte del proceso de edición y copia de algunas de sus imágenes más conocidas, con entrevistas a diferentes editores.
Cómo no, en “War Photographer” hay espacio para la reflexión personal –con conclusiones aterradoras y alentadoras- del cofundador de VII Photo. “Creo que la gente quiere saber si hay tragedias graves o situaciones inaceptables y hacer algo si es posible. Tenemos que afrontarlo, es nuestra obligación hacer lo que podamos. Si no, ¿quién lo hará?”, se pregunta Nachtwey.
2 - “Everybody Street”
Realizado por Cheryl Dunn (2013, 83 minutos) | Página oficial
El auge de la street photography tiene sus bases bien asentadas desde el segundo tercio del pasado siglo. En “Everybody Street” la entienden como un modo de fotografiar encaminado a captar la esencia de lo que ocurre en las calles (“la vida en estado puro”, en palabras del fotógrafo Joel Meyrowitz), con implicaciones sociales evidentes en muchos casos.
Bajo estas premisas y con la Gran Manzana de telón de fondo, el documental combina entrevistas, fotografías y escenas de acción de fotógrafos de la talla de Elliott Erwitt, Bruce Gilden, Bruce Davidson, Rebecca Lepkoff, Jeff Mermelstein o el propio Joel Meyerowitz, cuya entrevista estructura en gran medida la argumentación central de esta pieza.
Algunas de las escenas más interesantes incluyen planos subjetivos y muy cercanos al instante en el que estos fotógrafos disparan con su cámara. Así, vemos a Gilden entre la multitud que abarrota Broadway con la Quinta Avenida parándose frente a una pareja para espetarle un golpe de flash a medio metro de distancia. “Incluso en medio de todo ese caos, ellos [los street photographers] encuentran un instante en que todo se clarifica”, adelanta Meyerowitz en la introducción.
Bajo estas premisas y con la Gran Manzana de telón de fondo, el documental combina entrevistas, fotografías y escenas de acción de fotógrafos de la talla de Elliott Erwitt, Bruce Gilden, Bruce Davidson, Rebecca Lepkoff, Jeff Mermelstein o el propio Joel Meyerowitz, cuya entrevista estructura en gran medida la argumentación central de esta pieza.
Algunas de las escenas más interesantes incluyen planos subjetivos y muy cercanos al instante en el que estos fotógrafos disparan con su cámara. Así, vemos a Gilden entre la multitud que abarrota Broadway con la Quinta Avenida parándose frente a una pareja para espetarle un golpe de flash a medio metro de distancia. “Incluso en medio de todo ese caos, ellos [los street photographers] encuentran un instante en que todo se clarifica”, adelanta Meyerowitz en la introducción.
3 - “Beyond Assignment”
Realizado por Jim Virga (2001, 35 minutos) | Página oficial
El trabajo de tres mujeres fotoperiodistas es el hilo conductor de esta cinta de Jim Virga. Se trata de Gali Tibbon, con su trabajo sobre la fe religiosa en Israel; Mariella Furrer, que fotografió los abusos sexuales a menores en Sudáfrica, y Adriana Zehbrauskas, que documentó la violencia en Tepito, México.
Pero más allá del hecho de ser mujeres, el interés aquí está en mostrar su enfoque en proyectos personales de larga duración: cómo los afrontan, cuáles son los detalles más importantes para narrar sus historias y qué compromiso tienen con sus personajes.
Además de ver a las tres en plena acción, también comentan su forma de entender la profesión. Para Tibbon “la cámara se convierte en una extensión de tu brazo, tu equipo te acompaña a lo largo del día porque las noticias se dan en cualquier momento, no están programadas”. Furrer afirma que “lo que me motiva del fotoperiodismo es la justicia y luchar contra la injusticia”. Zehbrauskas, por su parte, reflexiona acerca de sus motivaciones: “Me gusta fotografiar personas e historias, adentrarme en lugares a los que normalmente no iría.”
Pero más allá del hecho de ser mujeres, el interés aquí está en mostrar su enfoque en proyectos personales de larga duración: cómo los afrontan, cuáles son los detalles más importantes para narrar sus historias y qué compromiso tienen con sus personajes.
Además de ver a las tres en plena acción, también comentan su forma de entender la profesión. Para Tibbon “la cámara se convierte en una extensión de tu brazo, tu equipo te acompaña a lo largo del día porque las noticias se dan en cualquier momento, no están programadas”. Furrer afirma que “lo que me motiva del fotoperiodismo es la justicia y luchar contra la injusticia”. Zehbrauskas, por su parte, reflexiona acerca de sus motivaciones: “Me gusta fotografiar personas e historias, adentrarme en lugares a los que normalmente no iría.”
4 - “Diane Arbus”, de la serie “Masters of Photography”
Foto: Diane Arbus
Realizado por John Musilli (1972, 30 minutos) | Documental completo
Transcurrido un año desde el suicidio de Diane Arbus en 1971, “Masters of Photography” dedicó un capítulo a la excelente retratista neoyorquina, posiblemente una de las más influyentes en las generaciones de fotógrafos de las últimas décadas del pasado siglo.
La hija de Arbus explica que un alumno de su madre la había grabado durante algunas clases y que sus palabras se habían utilizado para la realización del documental. Así que en parte se trata de una clase magistral impartida por la propia Arbus, pese a que tuvo que ser doblada debido a la pésima calidad del audio.
Arbus explica qué significan para ella algunos de sus trabajos más memorables, como sus retratos de de la serie “Freaks”. Es también concisa al explicar la relación que establecen sus personajes en ella: “Hay una separación entre lo que quieres que la gente sepa de ti y lo que no puedes evitar que la gente acabe sabiendo sobre ti.”
La reconocida fotógrafa Lisette Model, que fue profesora de Arbus, recuerda las lecciones que le daba sobre cómo enfocar algunos temas: “Cuanto más específica seas, más general será [tu trabajo].”
La hija de Arbus explica que un alumno de su madre la había grabado durante algunas clases y que sus palabras se habían utilizado para la realización del documental. Así que en parte se trata de una clase magistral impartida por la propia Arbus, pese a que tuvo que ser doblada debido a la pésima calidad del audio.
Arbus explica qué significan para ella algunos de sus trabajos más memorables, como sus retratos de de la serie “Freaks”. Es también concisa al explicar la relación que establecen sus personajes en ella: “Hay una separación entre lo que quieres que la gente sepa de ti y lo que no puedes evitar que la gente acabe sabiendo sobre ti.”
La reconocida fotógrafa Lisette Model, que fue profesora de Arbus, recuerda las lecciones que le daba sobre cómo enfocar algunos temas: “Cuanto más específica seas, más general será [tu trabajo].”
5 - “La sombra del iceberg”
Realizado por Hugo Doménech y Raúl M. Riebenbauer (2007, 76 minutos) | Tráiler
Cerro Muriano, frente de Córdoba. 5 de septiembre 1936. La Guerra Civil española está dando sus primeros disparos y el joven Robert Capa acaba de realizar uno de sus disparos más célebres y sin duda el más polémico. La famosa instantánea del miliciano caído ha hecho correr ríos de tinta con el objetivo de esclarecer la veracidad de la imagen más icónica de la lucha contra el fascismo. ¿Realidad o montaje?
Más allá de la indiscutible importancia de la imagen, este documental de investigación intenta arrojar luz sobre aquel momento y algunos pasajes posteriores. Levantan cierta sombra de sospecha detalles como que el mismo personaje apareciera vivo en otro fotograma (¿anterior?) y los negativos estuvieran cortados uno a uno, práctica muy poco habitual. O el análisis astronómico realizado a partir de las sombras y la localización muy aproximada del lugar, que desvela que la imagen fue tomada por la mañana y no por la tarde, como reza la versión oficial, en un momento en que no hubo combate.
Tampoco ayudan los repetidos intentos de Richard Whelan, el reconocido biógrafo de Capa, de obstruir la investigación de Doménech y Riebenbauer. De hecho los autores del documental llegan incluso a cuestionar la autoría de Capa: Gerda Taro, su pareja y también fotoperiodista, estaba con él y en ocasiones se intercambiaban las cámaras, firmando sus imágenes con el epígrafe Photo Capa.
Al final queda en manos del espectador la tarea de posicionarse. ¿Es veraz la versión oficial de la historia de la fotografía o por el contrario ésta fue un montaje? Y ello lleva inevitablemente a cuestionarse la veracidad de parte de la obra del mítico fotógrafo húngaro, reportero de guerra por antonomasia y cofundador de la agencia Magnum Photos.
6 - “The Impassioned Eye”
Realizado por Heinz Bütler (2003, 72 minutos) | Tráiler
He aquí uno de los mejores reportajes sobre Henri Cartier-Bresson. Un año antes de morir, el fotógrafo francés analizó para este documental alemán gran parte de su extensa obra, desde algunas de sus imágenes más conocidas hasta otras casi inéditas, haciendo hincapié en su famoso libro “Images à la sauvette”.
Durante casi una hora, el que es considerado padre del fotoperiodismo desvela los aspectos más importantes del momento fotográfico que bautizó como instante decisivo: la espontaneidad, el instinto y la construcción entendida como intencionalidad a la hora de crear una imagen, nunca preparándola.
El francés se sincera con la propia fotografía: “Mi interés nunca ha sido la foto por sí misma, sino la posibilidad de capturar en la fracción de un segundo la emoción de un sujeto y la belleza de las líneas.” Y acaba la frase con una lección sobre composición: “Hay una geometría inherente en lo que vemos. No tengo un mensaje, no intento demostrar nada: veo, siento y es el ojo sorprendido quien responde.”
En sus últimos años Cartier-Bresson abandonó la fotografía para dedicarse al dibujo, del cual destacan muchos retratos, una disciplina que trabajó ininterrumpidamente a lo largo de su carrera fotográfica. El francés explica que retrató a la pareja Joliot-Curie nada más entrar en su casa y verles con esa pose. Las presentaciones y los saludos vinieron después.
“The Impassioned Eye” recoge también los testimonios de Josef Koudelka (que entró en Magnum Photos recomendado por el propio Cartier-Bresson), Elliott Erwitt, el editor Robert Delpire o la actriz Isabelle Huppert.
Durante casi una hora, el que es considerado padre del fotoperiodismo desvela los aspectos más importantes del momento fotográfico que bautizó como instante decisivo: la espontaneidad, el instinto y la construcción entendida como intencionalidad a la hora de crear una imagen, nunca preparándola.
El francés se sincera con la propia fotografía: “Mi interés nunca ha sido la foto por sí misma, sino la posibilidad de capturar en la fracción de un segundo la emoción de un sujeto y la belleza de las líneas.” Y acaba la frase con una lección sobre composición: “Hay una geometría inherente en lo que vemos. No tengo un mensaje, no intento demostrar nada: veo, siento y es el ojo sorprendido quien responde.”
En sus últimos años Cartier-Bresson abandonó la fotografía para dedicarse al dibujo, del cual destacan muchos retratos, una disciplina que trabajó ininterrumpidamente a lo largo de su carrera fotográfica. El francés explica que retrató a la pareja Joliot-Curie nada más entrar en su casa y verles con esa pose. Las presentaciones y los saludos vinieron después.
“The Impassioned Eye” recoge también los testimonios de Josef Koudelka (que entró en Magnum Photos recomendado por el propio Cartier-Bresson), Elliott Erwitt, el editor Robert Delpire o la actriz Isabelle Huppert.
7 - “The Cambodian Room: Situations with Antoine D'Agata”
Realizado por Tommaso Lusena y Giuseppe Schillaci (2009, 56 minutos) | Tráiler
“En Camboya hay algo muy alejado de cualquier moralidad.” Son palabras de Antoine D'Agata, mito viviente de la fotografía y posiblemente el documentalista más influyente de cuantos han explorado el lado más oscuro del ser humano, con un cuerpo de trabajo muy introspectivo.
Este documental narra su experiencia con una prostituta de Phnom Penh. Encerrado con ella durante semanas en su habitación, el de Magnum Photos es fiel a su forma de trabajar: experimenta con las drogas y mantiene una relación amorosa y sexual con Lee. El resultado son unas imágenes donde la carne, el movimiento, la proximidad y las figuras humanas distorsionadas narran un mundo de desesperación, sexo, amor, paranoia y reinterpretación de la decadencia.
El propio artista comenta qué busca en Camboya: “En los extremos [de la moralidad] es donde quiero continuar mi trabajo para comprobar si todavía existen límites para mí o si estoy preparado para ir hasta el final.”
Este documental narra su experiencia con una prostituta de Phnom Penh. Encerrado con ella durante semanas en su habitación, el de Magnum Photos es fiel a su forma de trabajar: experimenta con las drogas y mantiene una relación amorosa y sexual con Lee. El resultado son unas imágenes donde la carne, el movimiento, la proximidad y las figuras humanas distorsionadas narran un mundo de desesperación, sexo, amor, paranoia y reinterpretación de la decadencia.
El propio artista comenta qué busca en Camboya: “En los extremos [de la moralidad] es donde quiero continuar mi trabajo para comprobar si todavía existen límites para mí o si estoy preparado para ir hasta el final.”
8 - “Inside Photographer Robert Frank's ‘The Americans’”
Realizado por Sarah Greenough (2009, 5 minutos) | Corto completo
Este corto documental es un breve resumen de la exposición que Sarah Greenough comisarió para la National Gallery of Art sobre el histórico libro “The Americans” de Robert Frank, del que editó un exhaustivo trabajo de investigación que concluyó con un libro homónimo.
Greenough desgrana el magistral retrato que el fotógrafo helvético hizo de la sociedad norteamericana. Tras ganar una beca Guggenheim, Frank obtuvo entre 1955 y 1957 a lo largo de Estados Unidos un total de 29.000 negativos. Solo 83 de aquellas imágenes conforman el que hoy es el libro de fotografía más influyente de todos los tiempos. Desmontando por completo el mito del sueño americano, mostrando una América que no había superado el racismo y con grandes desigualdades sociales, “The Americans” no fue bien acogido, y no fue hasta un año después que se publicó en París.
Greenough explica además las diferentes partes en las que Frank dividió “The Americans”, lo que arroja algo de claridad sobre un trabajo que su propio autor ha sido bastante reacio a analizar. De hecho otro documental, “Leaving Home, Coming Home. A Portrait of Robert Frank”, recoge el indisimulado cabreo del fotógrafo suizo (minuto 6:10) al requerirle que recrease la situación que rodeaba una de sus imágenes.
Greenough desgrana el magistral retrato que el fotógrafo helvético hizo de la sociedad norteamericana. Tras ganar una beca Guggenheim, Frank obtuvo entre 1955 y 1957 a lo largo de Estados Unidos un total de 29.000 negativos. Solo 83 de aquellas imágenes conforman el que hoy es el libro de fotografía más influyente de todos los tiempos. Desmontando por completo el mito del sueño americano, mostrando una América que no había superado el racismo y con grandes desigualdades sociales, “The Americans” no fue bien acogido, y no fue hasta un año después que se publicó en París.
Greenough explica además las diferentes partes en las que Frank dividió “The Americans”, lo que arroja algo de claridad sobre un trabajo que su propio autor ha sido bastante reacio a analizar. De hecho otro documental, “Leaving Home, Coming Home. A Portrait of Robert Frank”, recoge el indisimulado cabreo del fotógrafo suizo (minuto 6:10) al requerirle que recrease la situación que rodeaba una de sus imágenes.
9 - “Más fotoperiodismo hoy”, de la serie “Soy cámara”
Toni Curcó (realización) y Silvia Omedes (guion) (2012, 29 minutos) | Programa completo
Uno de los capítulos más interesantes de la serie coproducida por Televisión Española y el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), este documental repasa el estado actual del fotoperiodismo a través de comentarios y entrevistas con fotógrafos y editores. Despidos masivos de fotógrafos en periódicos, el cambio que ha provocado Internet en el mundo de las comunicaciones, los precios a la baja que pagan las publicaciones y la dificultad de encontrar financiación para contar historias son algunos de los problemas a los que se enfrenta este oficio hoy día.
Uno de los entrevistados clave es el director del festival Visa pour l'Image, Jean-François Leroy, que comienza haciendo esta reflexión: “Hoy todo el mundo dice que el fotoperiodismo ha muerto. No, no es el fotoperiodismo el que está enfermo, es la prensa.”
También se da visibilidad a colectivos fotográficos barceloneses como Ruido Photo o Nophoto. A este último pertenece Carlos Luján, que hace unas declaraciones contundentes y nada positivas acerca de la figura del fotoeditor: “Eso en España no existe. Los directores de revista y periódico no saben compartir, no saben delegar. Ellos tomar decisiones y se van cargando posiciones naturales.”
Uno de los entrevistados clave es el director del festival Visa pour l'Image, Jean-François Leroy, que comienza haciendo esta reflexión: “Hoy todo el mundo dice que el fotoperiodismo ha muerto. No, no es el fotoperiodismo el que está enfermo, es la prensa.”
También se da visibilidad a colectivos fotográficos barceloneses como Ruido Photo o Nophoto. A este último pertenece Carlos Luján, que hace unas declaraciones contundentes y nada positivas acerca de la figura del fotoeditor: “Eso en España no existe. Los directores de revista y periódico no saben compartir, no saben delegar. Ellos tomar decisiones y se van cargando posiciones naturales.”
10 - “Finding Vivian Maier”
Realizado por John Maloof y Charlie Siskel (2013, 84 minutos) | Página oficial
“Cuando Maier fotografiaba estaba mostrando cuánto puedes acercarte al rostro de alguien. Eso me dice mucho de ella.” Son declaraciones del fotógrafo Joel Meyerowitz en este documental sobre Vivian Maier.
¿Y quién era exactamente Vivian Maier? Esta pieza se encarga precisamente de arrojar algo de luz sobre la vida y obra de una mujer que trabajó toda su vida como niñera pero cuya verdadera pasión fue la fotografía. Maier, que vivió gran parte de su vida en Chicago, dedicaba su tiempo libre a pasear con la cámara por los barrios de la ciudad o a fotografiar con inusual maestría en sus viajes de vacaciones en varios rincones del mundo.
Pero la fotógrafa no tenía pretensiones profesionales y guardó en el más absoluto secreto un archivo de 100.000 negativos, algunos de ellos sin revelar. Parte del documental se centra en cómo el cineasta John Maloof lo descubrió -sin sospecharlo- tras adquirirlo por 380 dólares en una subasta. A partir de ahí la que sigue es una de las historias más inverosímiles y a la vez fascinantes de la fotografía moderna: Vivian Maier se convertiría póstumamente en una aclamada y respetada fotógrafa.
Un rápido vistazo al archivo -que pudo haber caído en el ostracismo eterno de no ser por la oportunísima mano de Maloof- revela que Maier era algo más que una buena aficionada: por fuerza debía conocer la obra de maestros como Lee Friedlander o Diane Arbus. Sus retratos –y múltiples autorretratos-, su naturalidad para afrontar escenas cotidianas, su dominio del medio formato y la forma en que dio el salto al color la han puesto en el lugar que habría ocupado si hubiese abierto la puerta del estudio que guardaba celosamente bajo llave.
¿Y quién era exactamente Vivian Maier? Esta pieza se encarga precisamente de arrojar algo de luz sobre la vida y obra de una mujer que trabajó toda su vida como niñera pero cuya verdadera pasión fue la fotografía. Maier, que vivió gran parte de su vida en Chicago, dedicaba su tiempo libre a pasear con la cámara por los barrios de la ciudad o a fotografiar con inusual maestría en sus viajes de vacaciones en varios rincones del mundo.
Pero la fotógrafa no tenía pretensiones profesionales y guardó en el más absoluto secreto un archivo de 100.000 negativos, algunos de ellos sin revelar. Parte del documental se centra en cómo el cineasta John Maloof lo descubrió -sin sospecharlo- tras adquirirlo por 380 dólares en una subasta. A partir de ahí la que sigue es una de las historias más inverosímiles y a la vez fascinantes de la fotografía moderna: Vivian Maier se convertiría póstumamente en una aclamada y respetada fotógrafa.
Un rápido vistazo al archivo -que pudo haber caído en el ostracismo eterno de no ser por la oportunísima mano de Maloof- revela que Maier era algo más que una buena aficionada: por fuerza debía conocer la obra de maestros como Lee Friedlander o Diane Arbus. Sus retratos –y múltiples autorretratos-, su naturalidad para afrontar escenas cotidianas, su dominio del medio formato y la forma en que dio el salto al color la han puesto en el lugar que habría ocupado si hubiese abierto la puerta del estudio que guardaba celosamente bajo llave.