Es la cultura, estúpidos: la Provincia tiene su propia Ley Audiovisual

Por Contraeditorial - 3 diciembre, 2025

https://contraeditorial.com/es-la-cultura-estupidos-la-provincia-tiene-su-propia-ley-audiovisual/

“Fuimos testigos de cómo una decisión política se transforma en una política de Estado”, afirmó la doctora en Comunicación Cynthia Ottaviano, al celebrar la reciente aprobación de la Ley de Promoción y Desarrollo de la Industria Audiovisual en la provincia de Buenos Aires, una norma que, según destacó, llega para saldar “una deuda histórica” con un sector estratégico hoy abandonado por las políticas del presidente Javier Milei.

SANS SOLEIL: LA SUPRESIÓN DEL SIGNO

 Publicado originalmente en http://www.polvo.com.ar/2020/10/sans-soleil-mark/

Por Tomás Mark

La editorial independiente Zindo & Gafuri ha publicado el desgrabado de la película Sans Soleil, un film encuadrado dentro del género «ensayo audiovisual». En esta se narra, a través de una voz en off, las cartas de un viajero y sus reflexiones sobre la historia y la memoria. La película fue realizada por Chris Marker, director francés al que el crítico Philippe Dubois denominó como «el más célebre de los cineastas desconocidos». Su obra más popular posiblemente sea La jetée, un breve corto que sirvió para inspirar a la más mainstream Twelve monkeys, aunque también es reconocido por haber sido ayudante del disruptivo Nuit et Brouillard , de Alan Resnais.

La edición de Sans Soleil, publicada por Zindo & Gafuri

La mayoría de sus trabajos están enmarcados en lo que se conoce como ensayo audiovisual y cine documental subjetivo; son obras que destacan por su carácter reflexivo. En este caso Sans Soleil, filmada mayoritariamente en Japón, gira en torno a la imposibilidad de ser fidedigno al representar los hechos de la historia.

Nanni Moretti y un sutil documental que regresa al golpe de Pinochet para pensar el presente

Publicado el     en INFOBAE.COM - CULTURA

Nanni Moretti y un sutil documental que regresa al golpe de Pinochet para pensar el presenteEn “Santiago, Italia”, el prestigioso director de cine italiano realiza una reflexión sobre este episodio clave y dramático de la historia chilena, a partir de testimonios de víctimas y victimarios, al tiempo que arroja una mirada sobre la Italia contemporánea

Por Hernán Schell14 de agosto de 2019

Salvador Allende sale de la Casa de la Moneda

Santiago, Italia es la última película de Nanni Moretti. El apellido Moretti es uno de los más importantes del cine italiano, esto gracias a una trayectoria extensa (filma desde el 73, aunque su producción de largometrajes es más bien escasa), pero también a que en su corpus de películas pueden advertirse estilos y temáticas muy propias. O sea, cualquiera que vea una película de Moretti sabrá que es muy probable encontrar comentarios políticos, un sentido del humor muy personal, y la inclusión en más de una ocasión de elementos autobiográficos.

Sobre Cuatreros

Qué hay detrás de Cuatreros, el nuevo film de Albertina Carri

En su nuevo film, Cuatreros, Albertina Carri vuelve a entregar un documental "de creación", construido a partir de desechos fílmicos y marginales de los años 60 y 70.

Por Leonardo M. D'espósito (Publicado en Brando)

Uno no siempre puede estar de acuerdo en todo con alguien. En mi caso, no estoy de acuerdo en todo (en muchas cosas, sí) con Albertina Carri. Sin embargo, creo que no hay nada mejor que alguien como ella para discutir o poner a prueba lo que considero mis convicciones (que, aclaremos de entrada, no son piezas monolíticas, sino que están sometidas, para todos, por la marea del tiempo). Digamos algo más: Albertina Carri propone y discute sus ideas a través de otras ideas, tanto formales como estéticas. Discute y propone a través del cine. 

Un balance del 2016

Balance 2016: El cine documental argentino

Por: Noelia Monte

Fuente : EscribiendoCine.com

NdR: editado parcialmente por fellinia.com.ar

Con un 60% de la producción nacional, el cine documental sigue dando batalla en el circuito cinematográfico argentino, pese a las dificultades a las que muchas veces se enfrenta tanto en materia de producción como a la hora de la exhibición, el 2016 marcó algunos hitos como fueron los casos de Cura Brochero, la película, que superó la barrera de los 12.000 espectadores, o el de Pibe chorro, el estreno nacional de una sala más visto del 2016 Entre lo más destacado del año también se encuentran Los cuerpos dóciles, La inocencia, la coproducción con España Chicas nuevas 24 horas y Lucha, jugando con lo imposible, el documental más taquillero…

Arte, industria, trabajo y Estado

Arte, industria, trabajo y Estado 

por Lucrecia Cardoso* (Publicado en Página12)

Cuando el mundo jerarquiza la mirada sobre las industrias creativas, lo hace centralmente por la capacidad de las mismas de generar valor, empleo calificado, por ser industrias sin chimenea y por movilizar el conocimiento y la propiedad intelectual derivadas del proceso creativo.

Cine Abstracto

Cine Abstracto, una historia de vanguardia

Traducción y adaptación de Jorge Cappelloni

POR AMERICO SBARDELLA (de http://www.fellinia.com.ar)

El cine abstracto, definido “absoluto” en los años veinte por el crítico y teórico Rudolf Kurtz fue en sus comienzos una isla de modesta superficie, casi siempre expresión directa de la vanguardia histórica. Era en efecto realizado por pintores que formaban parte de la vanguardia y que utilizaban de manera artesanal, procedimientos técnico-lingüísticos que refutaban la reproducción del mundo fenomenológico privilegiando la luz como medio de individualización de las formas, en una dimensión temporal de la cual el cuadro estaba privado. Fue en el inicio de los años veinte que los artistas visuales como Leger o Picabia en Francia, Eggeling, Richter, Ruttmann y Fischinger en Alemania, comenzaron a realizar sus filmes abstractos.

SCREENING ROOM

LA PLATAFORMA SCREENING ROOM ABRE EL DEBATE SOBRE NUEVOS PARADIGMAS DE LANZAMIENTO
El living de casa como sala de estreno

El proyecto, que ya tiene famosos defensores y detractores, como Steven Spielberg y James Cameron, propone un sistema de streaming por el cual se podría acceder a un estreno en simultáneo a su exhibición en salas tradicionales desde el televisor de casa.

Por Ezequiel Boetti, en Página/12

En octubre del año pasado, el realizador y productor Mariano Llinás justificó la elección de exhibir fragmentos de su largometraje Transiberiano en la vidriera del taller del colectivo artístico Mondongo planteando una dicotomía entre los modelos de consumo audiovisual pensados por Edison y los Hermanos Lumière a fines del siglo XIX. “Los dos entendieron la manera de generar la sensación de movimiento, pero el primero se equivocó inventando un formato chico e individual como el kinetoscopio cuando los otros hicieron el cinematógrafo para una proyección masiva en la que todo se viera más grande. Hasta que en un momento Edison empezó a remontar y hoy ya ganó: en lugar de ver una cara del tamaño de una pared, se ve una persecución de indios y vaqueros en una pantalla chiquita”, comparó. No sería de extrañar que, en la última semana, el responsable de Balnearios e Historias extraordinarias se haya vanagloriado de sus ideas ante el flamante proyecto estadounidense Screening Room, que promete llevar la experiencia del estreno en salas al living de casa. Como era de esperar ante una iniciativa de consecuencias tan radicales, las voces a favor y en contra –desde Steven Spielberg hasta John Cameron, pasando por Peter Jackson– tronaron con fuerza a lo largo y ancho de la industria de la pantalla (por ahora) grande.

Pensar en el negocio audiovisual

Por Juan Relmucao

http://www.diariobae.com/notas/114429-pensar-en-el-negocio-audiovisual.html

 

El muchacho se fastidia porque el tren atraviesa una zona sin wifi: adiós al streaming del fútbol. Se esperaba una reunión de cine con amigos, pero Netflix no funciona ¿Y ahora? Las ojeras y la media hora de retraso en el trabajo no mienten: alguien pasó la noche viendo su serie favorita. Efecto mariposa: a una chica la miran raro porque lleva un reproductor mp3 y Spotify Argentina crece año tras año. 

 

EL FILM ENSAYO

Por Arlindo Machado

 

Traducción: Gustavo Zappa. Originalmente en El medio es el diseño audiovisual, compilado por Jorge La Ferla. Universidad de Caldas. 2007
 

Publicado en http://www.lafuga.cl





Hace mucho tiempo que vengo persiguiendo la idea de un cine ensayístico. Antes, utilizando una expresión de Eisenstein, lo denominaba cine conceptual y actualmente tiendo a llamarlo filme-ensayo. Escribí sobre ese tema por primera vez, aunque todavía no de un modo muy preciso, en la vieja revista Cine Olho (1), luego en un libro sobre Eisenstein (1983), más tarde, ya perfilando mejor la idea, en un texto sobre el lenguaje del video (1997: 188-200) y finalmente en un libro sobre la elocuencia de las imágenes (2001), además de hacer referencias pasajeras al asunto en otros trabajos.

CINE ONLINE

EL DESENCANTO, NOTABLE DOCUMENTAL DEL ESPAÑOL JAIME CHAVARRI

Familia ganada por el veneno

El primer film del realizador de Las cosas del querer recorre las oscuras, tortuosas vidas de los integrantes de la familia Panero, que dio grandes literatos, pero también una colección de resquemores internos que pueblan un documental digno de ser rastreado en la web.

Por Horacio Bernades
Publicado en Página 12

“Lo nuestro es un fin de raza”, afirma Juan Luis Panero, a mediados de los años ’70. “Sí, pero no un fin de raza wagneriano sino a la medida del pueblito de Astorga”, contesta su hermano José Moisés, conocido como Michi. Unas escenas más tarde, Michi, por entonces un muchacho de veintipico, se muestra convencido de que ni él ni sus dos hermanos (Juan Luis y Leopoldo María) vayan a tener hijos jamás. El tiempo le dio la razón. Ya murieron todos, tronchando nomás el linaje de los Panero. Tal como parecen habérselo propuesto. El peso de la memoria del padre, Leopoldo Panero, poeta oficial y funcionario del franquismo hasta su muerte, parece haber sido demasiado para los tres hermanos. Juan Luis coqueteó de joven con el PC, y después siguió un destino de dandy. Murió en 2013, a los 71. El último en irse fue Leopoldo María Panero, que pasó la vida entre cárceles y manicomios, fue el poeta más reconocido de los tres y después de coquetear varias veces con el suicidio (una costumbre familiar), falleció en marzo del año pasado. El más joven y único de los tres hermanos que nunca publicó libros, Michi, enfermo, fue el primero en cumplir con el deseo fraterno. Tras sufrir de cirrosis y con dificultades de movilidad, el cáncer le dio una mano hace diez años, cuando tenía apenas 53.

Las múltiples estéticas de la realidad

http://www.pagina12.com.ar

CINE › EL DOCUMENTAL COMO CAMPO DE EXPERIMENTACION EN EL FESTIVAL DE TORONTO
Las múltiples estéticas de la realidad

Los documentales del TIFF prueban que el género ensancha sus fronteras, como si no tuviera límites a la vista y se manejara con una libertad que le permite incluso utilizar recursos del ensayo, del diario personal y hasta de la novela epistolar.

Por Luciano Monteagudo

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/5-33281-2014-09-08.html

Desde Toronto

Cuando el campo de cine de ficción parece estrecharse cada vez más, como si no encontrara nuevas maneras de narrar o de dar cuenta del mundo (siempre hay excepciones, por supuesto, que van desde Pedro Costa hasta Lisandro Alonso, pasando por Hong Sang-soo, Tsai Ming-liang y Bruno Dumont), el documental en cambio parece ir ensanchando sus fronteras, como si no tuviera límites a la vista y se manejara con una libertad que le permite incluso utilizar recursos del ensayo, el cuaderno de memorias y hasta de la misma ficción. Y la amplia selección de documentales del Toronto Internacional Film Festival (TIFF) no hace sino confirmarlo, empezando por Maidan, el extraordinario, épico fresco del ucraniano Serguei Loznitsa sobre la histórica plaza de Kiev donde comenzaron las revueltas contra el avance de Rusia en su país y del cual ya se habló largamente en estas páginas en ocasión de su lanzamiento en el Festival de Cannes, en mayo pasado.

Bresson por Bresson

http://www.lanacion.com.ar/1706795-robert-bresson-el-cineasta-que-amaba-la-simplicidad

 

 

Robert Bresson, el cineasta que amaba la simplicidad

Diálogo con Jean-Luc Godard. El volumen Bresson por Bresson, que publicará El Cuenco de Plata, reúne entrevistas al creador de Al azar, Balthazar. En el fragmento que reproducimos, un reportaje de los años sesenta realizado por otro ícono del séptimo arte, el director habla sobre ese film conmovedor que, para retratar los vicios de la humanidad, sigue la vida de un burro.

 

Jean-Luc Godard: -Tengo la impresión de que este film, Al azar, Balthazar , responde en usted a algo muy antiguo, algo en lo que quizás pensara desde hace al menos quince años, y que todos los films que hizo se hicieron a la espera de éste. Es la razón por la cual uno tiene la impresión de volver a encontrar el resto de sus films en Al azar, Balthazar . De hecho, aquellos lo prefiguran, como si fueran sus fragmentos.

Robert Bresson: -Pensaba en este film desde hacía mucho tiempo, pero no trabajaba en él. Quiero decir: trabajaba de a bocanadas. Me cansaba bastante rápido. Era duro desde el punto de vista de la composición, porque no quería hacer un film de sketches, pero al mismo tiempo quería que el burro atravesara una cierta cantidad de grupos humanos que representaran los vicios de la humanidad. Era preciso entonces que esos grupos humanos se imbricaran unos en otros. Dado que la vida de un burro es una vida muy regular, muy serena, era necesario también encontrar un movimiento, una progresión dramática. Había que encontrar un personaje que fuera paralelo al del burro y que tuviera ese movimiento, que diera al film esa progresión dramática que necesitaba. En ese momento pensé en una muchacha, la muchacha perdida. O más bien: la muchacha que se pierde y a la que nombré Marie.

HARUN FAROCKI (1944-2014)

PAGINA 12

Viernes, 1 de agosto de 2014

Todo un fuego inextinguible

Figura mayor del documental y del cine experimental, autor de un centenar de films, videos e instalaciones, el realizador alemán –fallecido en Berlín el miércoles pasado, a los 69 años– deja también una importante producción ensayística.

Por Luciano Monteagudo

Generacionalmente, Harun Farocki –fallecido en Berlín el miércoles pasado, a los 69 años– pudo haber pertenecido al llamado Nuevo Cine Alemán, cuyos nombres más rutilantes siempre fueron los de Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog y Wim Wenders, de quienes no tardó en distanciarse. Pero la obra de Farocki –que en más de cuatro décadas de labor llegó a realizar alrededor de cien films, videos e instalaciones– siempre se movió dentro de un territorio propio, muy singular y fuera de norma, en la medida en que abjuró del cine narrativo para dedicarse a pensar, con las herramientas propias de su medio de expresión, la ideología y las condiciones de producción de las imágenes en movimiento. 

10 documentales sobre fotógrafos

10 documentales sobre fotógrafos que hay que ver 

 http://www.quesabesde.com

Ivan Sánchez

Un monográfico dedicado a Henri Cartier-Bresson, un prolijo estudio sobre “The Americans”, temáticas como la fotografía de guerra, una exhaustiva investigación sobre la famosa foto del miliciano caído en el frente de la Guerra Civil española... Documentales dedicados a la fotografía hay tantos que resulta casi imposible elegir. Aun así, en Quesabesde hemos tomado partido por una decena de ellos. Testimonios del peso de John Szarkowski, Elliott Erwitt, Joel Meyerowitz, James Nachtwey o Josef Koudelka en más de siete horas de metraje de las que aprender y disfrutar.

El nuevo cine piensa en los teléfonos móviles, la televisión y las PC

El nuevo cine piensa en los teléfonos móviles, la televisión y las PC

 

Jeffrey Katzenberg, uno de los hombres más poderosos de Hollywood, dejó caer una bomba gigante en el corazón del negocio. Sucedió el 27 de abril de 2014, durante la Milken Global Conference, el encuentro anual del think tank económico Milken Institute que provee y discute ideas sobre el desarrollo en diferentes áreas.
El hombre poderoso era Jeffrey Katzenberg, el productor que sacó a la Disney, a fines de los 80 y principios de los 90, de su inercia y decadencia y lo encarriló hacia la cima con éxitos como La bella y la bestia y El rey león. El mismo que, tras no poder imponer algunas ideas en aquel estudio, fundó junto a David Geffen y Steven Spielberg DreamWorks SKG, donde aún es responsable del área de animación que produjo la saga Shrek, Madagascar y Kung-Fu Panda. Es decir, alguien que comprende el mundo del entretenimiento perfectamente. Este empresario lanzó su predicción para el futuro del negocio de las imágenes: “Creo que el modelo del negocio cinematográfico cambiará y ya no se pagará por la disponibilidad de una ventana. Cuando un filme se estrene, tendremos 17 días, es decir tres fines de semana. En ese tiempo, la película podrá recaudar entre el 95% y el 98% de sus ingresos. El día 18, un filme quedará disponible en toda clase de plataformas para todo el mundo, y se pagará por el tamaño de la pantalla. Así, verla en cine costará unos u$s15, verla en un televisor de 75’’ costará u$s4 y en un smartphone, u$s1,99. Un modelo de este tipo, cuando llegue -y llegará- cambiará definitivamente el negocio cinematográfico”. Katzenberg agregó que este modelo será el estándar dentro de no más de una década.
Para aclarar la idea, veamos qué es una “ventana”: se trata del período de excluisividad de un contenido en un tipo de formato. Para un filme, la primera ventana es la de su estreno en salas, que tiene una exclusividad variable. Antes del VHS y el cable, esta ventana era de unos 18 a 24 meses antes de que la película pudiera verse en televisión. El video la “bajó” a 12 meses; la aparición del cable redujo ambas ventanas (la de cine y la de video) a 6 y 12 meses respectivamente. Hoy son mucho menores y lábiles, dado que los sistemas como el pay-per-view pueden ofrecer ciertos filmes en simultáneo con las salas. La otra realidad que ha obligado a reducir ventanas es la piratería: en la medida en que una película puede hallarse cada vez más rápido para descarga ilegal -a veces horas después de su estreno-, la posibilidad de recuperación de la inversión en salas es menor. Por eso es también que los grandes tanques se estrenan simultáneamente en muchos países. Eso sin contar los sistemas de streaming, entre los cuales el más exitoso es Netflix, que proveen también esos materiales para diferentes tipos de pantallas.
Las ventanas, pues, dejarán de ser “temporales”, según Katzenberg, para ser “físicas”. En efecto: lo que el productor propone es un negocio donde un contenido queda siempre disponible (en la realidad ya es así) y donde el espectador elige en qué formato desea verlo. Diferentes formatos tendrán pues, diferentes precios, dado que el soporte -es decir, el archivo a servir- es distinto de acuerdo con cada aparato.
Lo que Katzenberg agregó es aún más realista y revolucionario a la vez: “las películas ya no son un negocio en crecimiento”. Es por eso que DreamWorks se dedica cada vez con mayor agresividad al cortometraje, los contenidos para televisión y los digitales.
¿Cuál será, entonces, el rol del cine “en pantalla grande” en el futuro? Queda claro que un contenido que no pierde calidad ni detalle en pantallas como la de los actuales televisores de alta definición derivarán cada vez más rápida -o directamente- hacia la televisión paga o sistemas como el streaming. Dado el crecimiento de la TV digital, que amplía de modo innumerable la cantidad de canales y, por consiguiente, de nichos de programación, la creación de contenidos sigue siendo una prioridad, incluso de filmes aunque estos no tengan como destino final los cines. El cine parece restringido o bien a lo experimental o bien al gran espectáculo sensorial irreproducible en formatos hogareños. Así, solo será hogar de “blockbusters” que deberán recuperar rápidamente su inversión antes de pasar a un negocio más lento -y exigente, en la medida en que el espectador cuenta con muchas más alternativas de elección- como el de las pequeñas pantallas. De este modo, el cine se convertiría en un evento de marketing más.
¿Es posible? Algo de eso está sucediendo, pero hay dos problemas. El primero, saber si la difusión tecnológica alcanzará la masa suficiente para volver rentable este nuevo modelo. El segundo, si necesidad de competir cada vez con más fuerza no llevará a una inflación de costos que vuelva el cine inviable. A esto Katzenberg, aún no tiene respuesta.

(Republica: http://www.cinelatinoamericano.org

 Fuente: Diariobae.com)

UN CINE SUBTERRANEO - DAVID OUBIÑA*

Publicado en Revista Todavía http://www.revistatodavia.com.ar/todavia27/7.oubinanota.html

Hacia fines de los años sesenta, un puñado de realizadores cinematográficos argentinos sentaron las bases del actual cine independiente en el país. Sus films –que no obtuvieron éxito comercial ni aceptación masiva– proponen una estética experimental y osada, destacan la potencia crítica y reflexiva de la ficción y se apartan de la retórica convencional del cine militante de la época.

Puntos suspensivos de Edgardo Cozarinsky

Durante la década del sesenta, el Instituto Di Tella aglutinó muchas de las experiencias estéticas más provocadoras y promovió a los artistas de vanguardia que tendrían mayor relevancia en los años siguientes. Atacado desde la derecha en nombre de la tradición y las buenas costumbres, sus actividades eran consideradas irreverentes, carentes de buen gusto, escandalosas o simplemente inmorales. Al mismo tiempo, para ciertos sectores de la izquierda radicalizada, ese tipo de experimentación moderna, sofisticada y cosmopolita, a la zaga de las vanguardias europeas, era simplemente la izquierda del sistema: no una verdadera ruptura con la tradición cultural colonial sino un intento de renovación esnob y frívolo que podía resultar progresista pero que se mantenía inequívocamente dentro de los márgenes del sistema y lo convalidaba...

Noticia

Industria:
Un informe revela que los jóvenes solo ven cine argentino una vez al año
tomado de http://www.escribiendocine.com/

Un informe realizado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina reveló que los jóvenes sólo ven un film nacional por año y que la mayoría prefiere verlos cuando se los exhiben en televisión, aunque el 90% reclama mayor publicidad y difusión para las producciones locales.

El relevamiento se realizó entre noviembre de 2012 y julio de 2013 sobre 1.500 jóvenes y adolescentes de entre 16 y 26 años de las ciudades de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Rosario y Ushuaia, que participaron de las funciones gratuitas que la Academia organizó en todo el país para fomentar el cine nacional.

Masas, pueblo, multitud en cine y televisión

Presentación del libro
Masas, pueblo, multitud en cine y televisión
Mariano Mestman y Mirta Varela (coordinadores)

Autores | Gonzalo Aguilar, Ana Amado, Mario Carlón, Concepción Cascajosa,
Claudia Feld, Marcela Gene, Clara Kriger, Irene Marrone,
Antonio Medici, Mariano Mestman, Fabiola Orquera, Manuel Palacio,
Lynn Spigel, Mirta Varela, Vito Zagarrio.

Participan | Fernando Martín Peña, María Pía López y Emilio Bernini

Se realizará una proyección fílmica de una selección
de Noticieros Bonaerenses (1946-1955)

Jueves 6 de junio, 20hs.
Auditorio del MALBA | Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Av. Figueroa Alcorta 3415 | CABA

Durante Mayo y Junio 40% de descuento en todos los locales de Eudeba
http://www.eudeba.com.ar/nuestroslocales

+ info

http://www.rehime.com.ar/libromasas.php

https://www.facebook.com/libromasas

Escritos de Harun Farocki

Tomado de http://proa.org/esp/exhibition-harun-farocki-escritos.php

Los textos que se reproducen a continuación fueron extraídos del libro Desconfiar de las imágenes, de Harun Farocki (2013, Caja Negra Editora. Selección: Inge Stache y Ezequiel Yanco. Traducción: Julia Giser. Con el apoyo del Goethe-Institut. (Disponible a partir de marzo de 2013).

Desde su primer cortometraje en 1966, Harun Farocki ha producido una vasta obra en la que la escritura y el cine son concebidas como actividades complementarias con las que interrogar la producción de imágenes de la sociedad contemporánea. Farocki pertenece a la generación posterior a la de los prominentes directores del “Joven Cine Alemán” –como Wenders, Fassbinder y Herzog–, a quienes desde la revista Filmkritik, que dirigió entre 1974 y 1984, acusó de “conformarse con la idea que todo el mundo tenía acerca de lo que se suponía que tenía que ser el cine”. En contraposición a esta tradición, tanto sus películas documentales o ensayos cinematográficos como sus más recientes video-instalaciones hacen uso de recursos formales propios del situacionismo, la nouvelle vague francesa y el cine directo para producir un montaje crítico capaz de denunciar la violencia inscrita en las “imágenes del mundo” generadas por artefactos aparentemente “neutrales” e “inocentes” como las cámaras de vigilancia de los centros comerciales y de las prisiones, las estrategias de edición de los noticieros, las publicidades y los videoclips, los simuladores de combate o las imágenes emitidas por los misiles teledirigidos...