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9 oct 2025

TETRIS I. Ritmo y dosificación en la edición de La conversación

Por Walter Murch | septiembre 29, 2025





La filmación de La Conversación de Francis Ford Coppola comenzó el lunes posterior al Día de acción de gracias, ocho meses después del estreno de El Padrino. Haskel Wexler fue el director de fotografía, como ya lo había sido en American Graffiti, y Dean Tavoularis fue el diseñador de producción, como lo fue en El Padrino y luego sería en El Padrino II. La Conversación fue estrenada en abril de 1974, nueve meses antes del estreno navideño de El Padrino II. American Graffiti de George Lucas -otra producción de Zoetrope- había tenido veintiocho días de rodaje en el verano de 1972 y estaba lista para ser mezclada en enero de 1973. Fue estrenada en agosto de ese año.




8 may 2024

Narcisa Hirsch (1928 - 2024)


Fallece Narcisa Hirsch, pionera y referente del cine experimental en la Argentina. En los años 60, expandió su actividad hacia prácticas como instalaciones, performances, graffitis e intervenciones urbanas. Recibió el Premio Nacional a la Trayectoria Artística.





Entrevista a Narcisa Hirsh -  Museo de Arte Contemporáneo Universidad Nacional del Litoral


En el mes de Abril una visita entrevista a la reconocida cineasta independiente Narcisa Hirsch hizo que relatara su vida y obra dentro del cortometraje en los inicios de esta práctica allá por los años 60 en Buenos Aires, Argentina. Narcisa Hirsch charló con la directora del museo Stella Arber, en su casa-estudio de San Telmo, pintó un panorama de cómo habían sido sus inicios con los medios audiovisuales, rememoró varios de sus cortos y películas, contó una nutrida cantidad de anécdotas vividas en cada una de sus obras y allí mismo se definió cuáles serían las obras de su filmografía que vendrían a abrir el 3° Festival de Videoarte a realizarse en Junio de 2015 en el MAC. Fue una entrevista muy cálida y por momentos tomó ribetes muy graciosos cuando Narcisa describía cómo la corrían de algunos lugares donde ella planteaba performance de lo más insólitas por las calles de Buenos Aires. La vida de Narcisa de una riqueza expresiva muy grande para el cine independiente tuvo su coronación estos últimos años con el reconocimiento que le han hecho distintos países a su importante obra cinematográfica.   

22 may 2018

ENTREVISTA





NOTICIAS
21 de mayo de 2018

Cuando las universidades tienen la palabra, la caja boba se colma de sentidos. Aquí lo explica un especialista de la casa: Daniel González.




En tiempos de híper concentración mediática, con programaciones empobrecidas y despidos a la carta, la TV Pública debilita su imagen tras el robustecimiento que había cosechado durante los años anteriores. Sin embargo, en medio de la tormenta, Daniel González redobla la apuesta y continúa soñando con una comunicación social distinta; con más protagonismo de las universidades en la producción de nuevas discursividades; y bajo una única premisa: democratizar la palabra, incluyendo a los sectores, temáticas y enfoques históricamente invisibilizados. 

18 abr 2017

ENTREVISTA



Página 1218 de abril de 2017 | El país

DAMIÁN LORETI, ESPECIALISTA EN POLÍTICA Y DERECHO DE LA COMUNICACIÓN
Negocios por encima de la ley

Uno de los redactores de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual sostiene que los riesgos de la regulación anunciada por el Gobierno son el “desfinanciamiento” y la “desprotección” del sector como industria cultural.


Damián Loreti es abogado y docente universitario. (Imagen: Pablo Piovano)

Por Emanuel Respighi


“La política comunicacional del gobierno actual tiende a ver todo como un negocio”. La afirmación es Damián Loreti, el abogado y profesor, especializado en política y derecho de la comunicación. Loreti sabe de lo que habla, ya que formó parte del equipo de especialistas que redactó la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (LSCA), la norma aún vigente que posibilita buena parte del financiamiento del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa), el Instituto Nacional de la Música (Inamu) y el Instituto Nacional de Teatro (INT). En el artículo 94 de la ley que el actual gobierno desguazó en tiempo récord (apenas 19 días después de haber asumido, a través del decreto 267/15) estipula que los “los titulares de los servicios de comunicación audiovisual, tributarán un gravamen proporcional al monto de la facturación bruta correspondiente a la comercialización de publicidad tradicional y no tradicional, programas, señales, contenidos, abonos y todo otro concepto derivado de la explotación de estos servicios”. Los fondos recaudados por ese artículo se destinan en diferentes porcentajes al Incaa, INT y el Inamu, entre otras entidades. Esa millonaria “caja” es la que hoy aparece amenazada con la redacción de la llamada “Ley de la Convergencia”, a la que nadie tuvo acceso. 

17 nov 2016

David Oubiña, Mariano Mestman y la época en que cambió todo


“En el cine del 68 hubo una discusión estética y política”
 
Los autores trabajaron sobre las coordenadas que se dieron para la explosión de un cine que rompió con las estéticas imperantes en el continente a fines de los 60. El libro será presentado el próximo lunes, en el Festival de Mar del Plata.


“La idea nació en 2012, cuando vimos que hay mucho escrito sobre el Nuevo Cine Latinoamericano pero ninguna reflexión común”. (Fuente: Bernardino Avila)
“La idea nació en 2012, cuando vimos que hay mucho escrito sobre el Nuevo Cine Latinoamericano pero ninguna reflexión común”. (Fuente: Bernardino Avila)


Por: Oscar Ranzani
Fuente: Página12 - 17/11/2016

El doctor en Historia del Cine, investigador del Conicet y del Instituto Gino Germani de la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA, Mariano Mestman, planeó hace cuatro años el libro Las rupturas del 68 en el cine de América latina (Ediciones Akal), que consta de once capítulos. Para articularlo, Mestman fue el coordinador del proyecto en el que escribieron nombres importantes como David Oubiña, Javier Sanjinés, Iván Pinto Veas, Sergio Becerra y Mirta Verela, entre otros investigadores. “La idea nació en 2012, cuando hablando con algunos de los colegas que participan del libro vimos que hay mucho escrito sobre el Nuevo Cine Latinoamericano pero no hay un volumen o una reflexión más o menos común que ponga en discusión el 68 en sí”, cometa Mestman en la entrevista con PáginaI12, de la que también participa Oubiña, que escribió el capítulo referido a la Argentina, titulado: “El profano llamado del mundo”.
Mestman señala también que surgió un poco como “provocación” porque “la idea del 68 suena muy eurocéntrica, pero también es cierto que en los últimos años o décadas hubo toda una revisión del 68 internacional que se ha ampliado tanto geográfica como temporalmente: el 68 incluido en la larga lista del 60 y, por otro lado, el 68 pensado también en varios lugares”. Para Mestman pensar el 68 “suena muy francés y eurocéntrico pero al mismo tiempo en muchos países de América Latina el momento del 68 fue clave, con México y lo de Tlatelolco; Cuba es fundamental, en Chile es el 69, acá podría discutirse que es el 69 con el Cordobazo pero también el 68 con La hora de los hornos”. Si bien el libro no es una investigación colectiva, “tuvimos mucha discusión entre nosotros a lo largo de esos años y, a partir de ahí, surgió la idea”. Las rupturas del 68 en el cine de América latina se presentará el lunes 21 a las 11:30 (Sala 6 - Paseo Aldrey) en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
–¿Las dos grandes rupturas que menciona el libro en su título fueron en lo político y en lo contracultural? 

1 mar 2016

ENTREVISTA A GILLES LIPOVETSKY


GILLES LIPOVETSKY Y COMO LAS PANTALLAS TOMARON EL MUNDO

En su nuevo ensayo La pantalla global. Cultura mediática y cine en la era hipermoderna, Gilles Lipovetsky afirma que el cine, contra quienes postulan su ocaso creativo, ganó en el mayor de los sentidos: transformó la forma de mirar que tiene el mundo. Entrevistado por Radar en París, el filósofo francés reflexiona sobre la omnipresencia de las pantallas en la globalización, las sociedades donde reina la “espectacularización” y esa nueva visión que permite decir “parece una película” cuando vemos, por ejemplo, el atentado a las Torres Gemelas del 11/9. 


Por Eduardo Febbro
Tomado de Página 12
Lejos de haber terminado su ciclo vital e ingresado en una hibernación creativa cuya única manifestación serían las grandes superproducciones y los efectos especiales, el cine, y a través de él las pantallas, dominan el mundo. En un ensayo brillante, Gilles Lipovetsky y Jean Serroy demuestran cómo la estética del cine y su dimensión espectacular han invadido todos los espacios de la sociedad, desde los más modestos hasta los más sofisticados. El ensayo La pantalla global. Cultura mediática y cine en la era hipermoderna (Anagrama, 2009) es un recorrido alucinante que comienza con el nacimiento del cine y llega a esto que los autores llaman “la sociedad hipermoderna”. El libro desmenuza unas cuatrocientas películas para demostrar que el cine, en vez de chocar con la sociedad de consumo, se adaptó a ella, la influyó y la domesticó para transmitirle su concepción del mundo. Hoy, las pantallas son el principal vector de transmisión de una estética que ha creado una suerte de “homo pantallicus”. 

22 oct 2015

Conversación con Arlindo Machado




Publicado en http://www.lafuga.cl

UN PENSAMIENTO DE LAS IMAGENES

Por Iván Pinto Veas





"Yo no soy especialista en cine. Me parecía que había mucho dicho sobre eso ya que es la única área del audiovisual que tiene una tradición de crítica y pensamiento. Yo decidí primero irme hacia el video que me parecía algo distinto, que merecía análisis. Luego seguí hacia la televisión y los nuevos medios. Lo único que tengo es mi primer libro que fue sobre Eisenstein, y luego mi último libro que acabo de publicar que se llama “El sujeto en la pantalla y que es una reflexión sobre la cuestión del sujeto en el cine y después en el ciberespacio. Fue casi como un retorno al inicio, donde hice un repaso a las teorías del cine."



3 mar 2015

Entrevista con Michael Renov


MichaelRenov 
¿Puede explicar brevemente cómo han cambiado los estudios de cine documental en los últimos treinta años?

Si retrocedemos treinta años, estamos en los ochenta. De hecho, no había muchas publicaciones hace 30 años. La publicación fuerte en realidad fue en los setenta, y yo resaltaría la obra de Eric Barnouw antes que nada, eso fue en 1974. Aquella primera edición de su libro acerca del documental fue el primer panorama histórico de los inicios del cine documental, y probablemente todavía sea el mejor escrito. Aunque hubo una segunda edición, en 1983 o tal vez en los noventa, en mi opinión las partes más nuevas del libro nunca fueron tan fuertes como lo que se publicó en 1974, donde observaba los inicios desde [John] Grierson y [Robert J.] Flaherty y algunas de las primeras fuentes, comprendiendo lo que sucedió en el periodo después de la Segunda Guerra Mundial en Europa y otros lugares, y por supuesto la Unión Soviética. También, [Richard] Barsam era otro que había escrito algunos libros que tenían mucha fuerza en cuanto a un entendimiento crítico sobre el documental.


21 nov 2014

BIENAL DE LA IMAGEN EN MOVIMIENTO - UNTREF









 
 
 

Del 20 al 30 de noviembre - Ciudad de Buenos Aires - Argentina
 
BIM
 

Inicio
 
Las artes audiovisuales presentan una esencia singular, mixta, que comparte una fuerte tendencia a la alternatividad con la incursión en el terreno del arte contemporáneo de mayor institucionalización. Históricamente, el cine experimental ha seguido un comportamiento endogámico. Sin ser reconocido como cine por la mayoría y al ser generalmente ignorado por el campo del arte, desarrolló su propio terreno que lo llevó a conservar, salvo en casos excepcionales, una conducta insular. La irrupción de los equipamientos de video de comercialización masiva a mediados de la década del sesenta fue rápidamente aprovechada por varios artistas integrados al circuito del arte contemporáneo que comprendieron la riqueza estética de este nuevo soporte.


15 sept 2014

Un Encuentro con la tevé interactiva


http://www.pagina12.com.ar

LA INVESTIGADORA MICHELLE VAN BEUSEKOM PRODUCE UN DOCUMENTAL CON EL CANAL CULTURAL

Un Encuentro con la tevé interactiva



Es directora de la National Film Board de Canadá. Firmó un convenio con el Canal Encuentro para producir un documental interactivo. La investigadora contó a Página/12 la experiencia en su país. El documental, en producción, saldrá en los próximos meses.


Por Soledad Vallejos

http://www.pagina12.com.ar/diario/sociedad/3-254853-2014-09-09.html

La TV cambió tanto que ya ni siquiera es necesario ver los programas en un televisor a una hora determinada. De hecho, algunos programas ni siquiera fueron pensados para esa experiencia más bien pasiva, tradicional, que apenas exige un espectador dispuesto a sentarse y dejar que alguien le cuente una historia, no importa si es de ficción o no. La tele ya no es lo que era, y por eso dice la canadiense Michelle van Beusekom, investigadora audiovisual y directora general del National Film Board (NFB) de Canadá, el organismo público que produce y distribuye títulos documentales y de animación, que podría pensarse la experiencia “como un libro de Elige tu propia aventura”. El futuro de lo audiovisual es interactivo, explica en Buenos Aires, a donde llegó porque la NFB y el Canal Encuentro firmaron un convenio –el primero de su tipo con Latinoamérica– por el cual están produciendo un documental interactivo.

23 ago 2014

Bresson por Bresson



 
 
Robert Bresson, el cineasta que amaba la simplicidad

Diálogo con Jean-Luc Godard. El volumen Bresson por Bresson, que publicará El Cuenco de Plata, reúne entrevistas al creador de Al azar, Balthazar. En el fragmento que reproducimos, un reportaje de los años sesenta realizado por otro ícono del séptimo arte, el director habla sobre ese film conmovedor que, para retratar los vicios de la humanidad, sigue la vida de un burro.
 




Jean-Luc Godard: -Tengo la impresión de que este film, Al azar, Balthazar , responde en usted a algo muy antiguo, algo en lo que quizás pensara desde hace al menos quince años, y que todos los films que hizo se hicieron a la espera de éste. Es la razón por la cual uno tiene la impresión de volver a encontrar el resto de sus films en Al azar, Balthazar . De hecho, aquellos lo prefiguran, como si fueran sus fragmentos.

Robert Bresson: -Pensaba en este film desde hacía mucho tiempo, pero no trabajaba en él. Quiero decir: trabajaba de a bocanadas. Me cansaba bastante rápido. Era duro desde el punto de vista de la composición, porque no quería hacer un film de sketches, pero al mismo tiempo quería que el burro atravesara una cierta cantidad de grupos humanos que representaran los vicios de la humanidad. Era preciso entonces que esos grupos humanos se imbricaran unos en otros. Dado que la vida de un burro es una vida muy regular, muy serena, era necesario también encontrar un movimiento, una progresión dramática. Había que encontrar un personaje que fuera paralelo al del burro y que tuviera ese movimiento, que diera al film esa progresión dramática que necesitaba. En ese momento pensé en una muchacha, la muchacha perdida. O más bien: la muchacha que se pierde y a la que nombré Marie.


11 nov 2013

JEAN-LOUIS COMOLLI


Domingo, 10 de noviembre de 2013

CINE › ENTREVISTA AL CRITICO, DOCENTE Y REALIZADOR JEAN-LOUIS COMOLLI
“Hoy el poder no pasa por mostrar, sino por ocultar”
 
El hombre que formó parte durante años del staff de la revista Cahiers du cinema y es una de las voces más reconocidas de la crítica francesa sostiene que el espectador de cine está sometido a “películas parecidas a un espejismo; muestran lo que uno quiere ver”.

Por Ezequiel Boetti

 
Jean-Louis Comolli es un partisano que resiste los embates del cine espectáculo. No lo hace desde la vociferación infundada (esa que se ampara en la impunidad de los criterios del gusto o el interés), sino desde una larga vida dedicada a deconstruir la ontología de una imagen y develar los enrevesados mecanismos de la significación cinematográfica. Así, mientras la gran mayoría ve –elige ver– un entretenimiento sabatino, él escruta en sus recovecos formales. Comolli interpreta cada decisión estética como parte de un todo que ha servido de herramienta fundacional –fundamental– para la creación de una conciencia colectiva a lo largo y ancho del siglo pasado. “Yo reflexiono sobre la relación entre la sociedad y las películas a través de la historia del cine y la historia, que son paralelas. Lo que me interesa son los desafíos políticos de las decisiones estéticas”, afirma el crítico, docente y realizador, quien llegó a la Argentina esta semana con una agenda cargadísima que incluyó un seminario, una masterclass y la presentación de varios films del ciclo Jean-Louis Comolli: filmar para ver, que culminará hoy en la Sala Lugones del Teatro San Martín (ver recuadro). Si a todo lo anterior se le suma la publicación Cine contra espectáculo (Editorial Manantial) de hace un par de años, queda claro que hay tela de sobra para cortar a lo largo de una jugosa entrevista con Página/12.

 

23 sept 2012

PIGLIA


Luz, crítica, acción

La figura de Ricardo Piglia, como escritor, crítico y profesor, debe ser una de las más incuestionables de la literatura argentina contemporánea. Sin embargo, su relación con los medios es medida: por un lado, rara vez interviene en las discusiones de los medios masivos; por otro, se ha valido de las entrevistas que le hicieron para exponer su pensamiento en su ya clásico libro Crítica y ficción. Por eso, se vuelven doblemente relevantes los capítulos de Escenas de la novela argentina, cuatro clases que ya había dictado en la UBA y en Princeton y que volvió a dar para la Televisión Pública, en las que repasa las relaciones de la literatura argentina con los avances tecnológicos de cada época. En esta entrevista, el mismo Piglia va un poco más allá y reflexiona sobre la tensión de los intelectuales con la televisión, la figura mediática de Borges, intervenciones como las de Carta Abierta, los efectos de Internet y los celulares en la narrativa, la crisis de la ficción y la novela como artefacto capaz de contener y comprender el mundo.

“Hay una crisis de la representación, y se busca la expresión directa, lo que parece verdadero o dice ser real. Se postula la transparencia, tal vez porque la experiencia se diluye en el círculo incesante de la información. Hay una oposición cada vez más profunda entre información y realidad, entre cultura y experiencia. Y como sabemos, ése ha sido –y sigue siendo– el tema de la novela desde El Quijote.”


 
Por Natali Schejtman

Tomado desde RADAR LIBROS - PAGINA/12 del Domingo, 16 de septiembre de 2012

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/libros/10-4793-2012-09-16.html 

Escenas de la novela argentina se emite los sábados de septiembre a las 20.30. Los capítulos anteriores pueden verse en tvpublica.com.ar y en el canal de la TV Pública en YouTube.

http://www.youtube.com/watch?v=mK0ENCrDB0Q&feature=relmfu

http://www.tvpublica.com.ar

 

1 sept 2012

Chris Marker (29/7/1921 - 29/7/2012)


Entrevista a Chris Marker, de Samuel Douhaire y Annick Rivoire (2003)

© Traducción de Juan Carlos Villavicencio
 
Levantado de REVISTA DESCONTEXTO

"Como consecuencia de decir que puede mostrar cualquier cosa, el cine ha abandonado su poder sobre la imaginación. Y, como el cine, este siglo quizás está empezando a pagar un alto precio por su traición a la imaginación o, más exactamente, a aquellos que todavía tienen una imaginación, por pobre que sea, se les está haciendo pagar ese precio."




 

La realización francesa de Sans Soleil y La Jetée en DVD [fue] un evento, al igual que cada furtiva aparición de Chris Marker en las noticias, uno de los más grandes cineastas de nuestro tiempo, así como uno de los más reservados.

Marker (...) ha preferido dejar que sus imágenes filmadas hablen por él, antes que su imagen de director de cine. Existen menos de una docena de fotografías de Marker y son aún más raras sus entrevistas. El director accedió a una entrevista con el diario Libération a través de un correo electrónico tipo kit de “hágalo usted mismo”: cuatro temas, con diez preguntas cada uno. No respondió todas las preguntas, pero estas 12 páginas, a veces “francamente dostoievskianas” nos dejaron más que satisfechos.

Cine, foto–novelas, CD–roms, instalaciones de vídeo – ¿hay algún medio que no haya probado?
Sí, acuarela opaca [gouache].

¿Por qué ha aceptado la liberación de algunas de sus películas en DVD, y cómo hizo la elección?
Veinte años separan La Jetée de Sans Soleil. Y otros 20 años separan Sans soleil del presente. Bajo estas circunstancias, si yo fuera a hablar en nombre de la persona que hizo estas películas, ya no sería una entrevista, sino una sesión de espiritismo. De hecho, ni pienso que yo elija o acepte: alguien habló de ello, y se hizo. Que había cierta relación entre estas dos películas era algo de lo que estaba al tanto, pero que no pensaba que fuera necesario explicar –hasta que encontré una pequeña nota anónima publicada en un programa en Tokio, que decía: “Pronto el viaje será en un final. Sólo ahí sabremos entonces si la yuxtaposición de imágenes tiene sentido. Comprenderemos que hemos rezado en el cine, como uno debe hacerlo en una peregrinación, cada vez que hemos estado en presencia de la muerte: en el cementerio de gatos, de pie frente a la jirafa muerta, con los kamikazes en el momento del despegue, frente a los guerrilleros muertos en la guerra por la independencia. En La Jetée, el temerario experimento para mirar hacia el futuro termina en muerte. Al tratar el mismo tema 20 años más tarde, Marker ha vencido a la muerte orando. “Cuando se lee esto, escrito por alguien que no conoces, que no sabe nada de cómo las películas se hacen, sientes una particular emoción. “Algo” ha sucedido.

29 abr 2012

Somos una estética inconclusa. Entrevista a Miguel Littín


Tomado de REVISTA CINE CUBANO ON LINE (ICAIC) Nº 13
Entrevista por Sandra del Valle Casals


Querido Littín, me gustaría que comenzáramos conversando del pasado para pensar nuestro presente. El movimiento del Nuevo Cine Latinoamericano no fue solo un acontecimiento cinematográfico sino también ideológico, político, cultural, que aportó una imagen propia, de nosotros mismos, los latinoamericanos; pero también produjo un pensamiento propio. ¿Se puede seguir hablando hoy de un movimiento de cine latinoamericano y de la existencia de un pensamiento que desde el cine tenga una dimensión cultural y de compromiso social?

Sin dudas, ese Nuevo Cine Latinoamericano surge a la luz de grandes acontecimientos históricos, políticos, sociales, y nace ligado al destino de hombres y mujeres que luchan en este continente, y por eso lo llamamos nuevo, porque nuestro encuadre, nuestra forma de filmar era nueva de la misma manera en que el hombre lo era, que la mujer estaba renovándose constantemente en su rebeldía, y al afrontar la sociedad para cambiarla y transformarla, el hombre entra en la dialéctica de la historia.

19 oct 2011

ENTREVISTA CON JAFAR PANAHI (2006)


The Tombs Movie News - David Jenkins

Jafar Panahi es uno de los representantes del nuevo movimiento cinematográfico iraní. A pesar de ser aclamado en Europa, sus dos anteriores películas «El círculo» y «Crimson Gold» fueron prohibidas por el gobierno iraní. Empezó su carrera cinematográfica como documentalista, un género que le ha ayudado a realizar sus obras de ficción más recientes. Sus películas suelen cuestionar las idiosincrasias que nacen en el islam actual.

¿Qué le empujó a rodar una película acerca de un partido de fútbol?
Leí el artículo de un famoso periodista de deportes iraní donde contaba que las mujeres de la Antigua Grecia tampoco podían asistir a los acontecimientos deportivos. Una de ellas tenía un hijo atleta y decidió vestirse de hombre para poder verle.
¿Cómo orquestó la película? ¿Rodó durante un partido real?
Fue un poco como un docudrama rodado en tiempo real. La mayoría de las escenas se rodaron durante el partido para aportar mayor realismo a la película.

Siendo así, ¿los actores tuvieron que improvisar mucho? 
No contraté a ningún actor profesional y era imposible controlar absolutamente todo lo que ocurría delante de la cámara por mucho que respetaran el guión. En la mayoría de los casos, dejaba a los actores y planeaba la siguiente secuencia de acuerdo con sus reacciones. Mientras rodábamos, no estaba muy seguro de qué iba a pasar. Queríamos que Irán ganara como fuera, pero no sabíamos si ocurriría.
¿Había pensado en la posibilidad de que Irán perdiera?

Habríamos debido adaptarnos, pero el guión no contemplaba esa posibilidad. Era necesario que Irán marcara en el segundo tiempo para dar ímpetu a la película y, por suerte, fue exactamente así.
El final de OFFSIDE es diferente del de sus anteriores películas, ofrece un rayo de esperanza para el futuro. ¿Era esa su intención?

Sí, desde luego. Quería comunicar la esperanza que había sentido en ese partido. Once jugadores se juntan. Cada uno tiene su técnica, su ideología, su carácter, pero todos tienen el mismo objetivo. Es una metáfora de la nación. Los soldados y las mujeres de la película son muy diferentes los unos de los otros, pero todos quieren lo mismo: que Irán gane el partido.

Aunque la película habla de cómo se trata a las mujeres en Irán, los personajes masculinos también tienen una historia. ¿Es un comentario sobre la juventud en general?
He intentado enseñar la realidad iraní, lo que se puede y no se puede hacer. Parece que lo principal sea que las mujeres no pueden entrar en los estadios, pero la película va mucho más allá. Al igual que en «El círculo», se ven las historias de cada personaje, pero también cómo funciona la sociedad. Busco historias que me permitan hablar de otros temas.

¿Es difícil rodar películas con temas candentes en Irán?
Sí, claro, es difícil. También había dificultades antes de la revolución. Lo más importante para un cineasta es hacer la película y enfrentarse a los problemas, como puede ser la censura, cuando llegue el momento. Lo importante es seguir adelante y rodar.


16 sept 2011

"¿Derechos de autor? Un autor sólo tiene deberes"

Fragmentos de una entrevista a J.L.Godard sobre "Film Socialisme"










− ¿Por qué el título: Film Socialisme?

− Siempre tengo títulos de antemano, que me dan pistas sobre las películas que podría rodar. Un título que precede toda idea de una película, es un poco como un la en música. Tengo toda una lista. Como títulos de nobleza o títulos de banco. Más bien títulos de banco. Empecé con Socialismo, pero a medida que avanzaba la película, me parecía cada vez menos satisfactorio. La película podría haberse llamado igualmente Comunismo, o Capitalismo. Pero se produjo un azar divertido: al leer un folletito de presentación que le había hecho llegar, donde el nombre de mi productora Vega Film precedía al título, Jean-Paul Curnier leyó “Film Socialisme”, y creyó que aquel era el título. Me escribió una carta de doce páginas para decirme hasta qué punto le gustaba. Me dije que sin duda debía tener razón y decidí conservar Film antes de Socialisme. Aquello espabilaba un poco la palabra.

7 sept 2011

ENTREVISTA A PETER GREENAWAY

... TRAS SU MASTERCLASS EN EL MERCADO DE INDUSTRIAS CULTURALES ARGENTINAS

“El cine ya no satisface la imaginación” 
El cineasta galés asegura que ya no hay que pensar más en la industria del cine porque está acabada y que hay que buscar nuevas formas de brindar al hombre experiencias audiovisuales. “La cuestión de ir a un lugar y mirar todos a un mismo sitio es un poco antigua”, afirma.

Por Ezequiel Boetti

No hay una correspondencia entre lo dicho y lo hecho por Peter Greenaway. O sí, pero en parte. Porque a su fanatismo e interés manifiesto por la pintura del siglo XVII –”incluye a los pintores que yo llamaría protocineastas: Caravaggio, Velázquez, Rubens y Rembrandt”, argumentó el año pasado– le contrapone una multiplicidad de canales de expresión propia de la estirpe renacentista: Greenaway pinta, escribe, dirige y guiona gran parte de sus films. Entre ellos, Rembrandt’s J’Accuse, donde el galés tradujo, cual hermeneuta audiovisual, medio centenar de acusaciones políticas y sociales supuestamente connotadas en La ronda nocturna, una de las pinturas más famosas del artista plástico holandés. No pasan más de un par de escenas para que el director de El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante justifique la elección temática de su documental-tesis aduciendo: “La mayoría de las personas son visualmente iletradas, lo que explica el empobrecimiento de nuestro cine”. Esa visión se traduce en un pronóstico crepuscular de la sala oscura: “El cine está muerto. La cuestión de ir a un lugar y mirar todos a un mismo lugar es un poco antigua. Olviden a la industria del cine, realmente deben hacerlo”, implora el artista durante la ronda de entrevistas brindada durante la edición bautismal del Mercado de Industrias Culturales Argentinas, donde el viernes dictó una masterclass a sala llena.


5 abr 2010

Entrevista a Patricio Guzmán

LECCIONES DE CINE

Así se titula el excelente libro de entrevistas a cargo de Laurent Tirard (1), en el que algunos de los directores más destacados de la actualidad dejan asentadas sus experiencias acerca de la realización. Pero -con el mayor de los respetos al autor francés- en estas lecciones falta la obra de un autor fundamental: el documental de Patricio Guzmán. Realizador auténtico, comprometido y visceral, sus films son verdaderas reflexiones poéticas. Lo que sigue a continuación es una “clase magistral” que nos brindó en privado el singular artista trasandino, tras su paso por el 21° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, con motivo de la proyección de su última película: Salvador Allende.
Por Pablo Acosta y Federico Godfrid.